Bases para elaborar un proyecto fotografico

El pasado miércoles 19 se llevó a cabo un conversatorio con la reconocida Fotógrafa Ana Cecilia Gonzáles Vigil (*) en el Centro Cultural Peruano Norteamericano con motivo de la presentación de su ultimo trabajo “Adolescentes”

La muestra consiste en una serie de retratos -en blanco y negro- a través de los cuales la fotógrafa intenta explorar en las motivaciones de un grupo de jóvenes de 13 a 19 años nacidos entre 1989 y 1995, sus demandas, sus intereses, sus perspectivas; hacia dónde se dirigen, cómo ven a su país y cuáles son sus valores

Ana Cecilia explico como llegó a realizar este trabajo y aquí presento un pequeño resumen de lo que se habló esa noche:

Bases para elaborar un proyecto fotográfico.

1.- Todo parte de una idea, un concepto o una inquietud en la cual se quiere profundizar y trabajar. Esta idea puede tener la característica de ser una idea general, no es necesario que esté totalmente definida.

Para esto se investiga acerca del contexto del tema buscando información que pueda ser relevante y ayudar a una mejor interpretación del proyecto. Esta información puede venir de observación directa, entrevistas con especialistas, búsqueda en libros, Internet, etc.

En el caso de la muestra, esta nace a raíz de los “conflictos adolescentes” de su hija en ese entonces de 18 años, Ana Cecilia busca la manera de entender a los adolescentes y lo hace conversando con ellos y fotografiándolos.

2.- Después se escoge un método en el que se este cómodo trabajando, en este caso la autora escogió el tema de retratos. Y decidió hacerla lo mas amplio posible, abarcar la mayor cantidad de distritos y familias de lima.

3.- Después de definir estos dos primeros puntos se lleva a cabo la implementación del proyecto, es decir “poner manos a la obra”, aquí Ana Cecilia hace hincapié en que este paso se debe realizar IMNEDIATAMENTE después de definir los puntos anteriores, ya que se corre el riesgo de aplazar la ejecución ad infinitum y quizás nunca se llegue a realizar el trabajo o quizás este pierda vigencia o interés de parte de quien lo realiza.

También que los puntos más importantes a tener en cuenta son la DISCIPLINA y el ORDEN que se tiene que tener a la hora de hacer el trabajo. Tratar en lo posible no aplazar el trabajo y ser metódico a la hora de desarrollarlo (ya sea tomando las fotos, haciendo apuntes, descargando clasificando cada sesión de fotos inmediatamente después de realizada)

4.- Estando en la etapa de implementación se reevalúa y modifica el proyecto de acuerdo a lo que se va avanzando, por ejemplo Ana Cecilia comentaba que para realizar los retratos opto por una técnica de desenfoque selectivo para darle protagonismo al sujeto fotografiado sobre su entorno, para lograr este objetivo ella optó por realizar las fotos con los lentes “Lensbaby” que le permitieron tener ese efecto en las fotografías. Después, en la rueda, de preguntas aclaró que si no hubiera tenido acceso a estos lentes hubiera buscado ese efecto en la post-producción de la fotografía.

Otro factor importante fue la de no usar luz artificial, trabajar solo con luz natural.

5.- Sobre el asunto de la toma y la edición (selección) de las fotografías nos comentó que estas dos etapas son totalmente subjetivas y las determina el fotógrafo (en el caso de la muestra ella opto por mostrar los retratos en blanco y negro y seleccionar las fotografías que muestren a los chicos en un ambiente que les sea familiar, escogido por cada uno. Ana Cecilia decía que ella iba donde los chicos le indicaban, esto también ayudó a que ellos se sintieran mas cómodos a la hora de ser fotografiados.

Y a la hora de seleccionar la foto final esta tenia que tener un sentido propio pero a la vez que cada una se complementara con las demás, siendo esto una característica muy importante a la hora de seleccionar las fotos.

6.- Teniendo el proyecto ya avanzado se puede pensar en armar una preproducción pensando ya en el formato y tamaño de las fotografías, los posibles lugares para una exposición, buscar auspiciadores (para estos dos últimos puntos es de gran ayuda mostrar algún avance en el trabajo)

7.- Sobre la selección también indicó que el objetivo de un proyecto es el de COMUNICAR para lo cual es necesario aprender a sacrificar algunas fotos por el todo, a veces la concepción del proyecto cambia mucho y hay que saber distinguir que imagen representa mejor lo que el fotógrafo percibió al momento de hacerla.

El propósito es que las imágenes trasciendan al fotógrafo y lleguen a la persona que va a ver la foto, explicó que el fotógrafo se convierte en un ente invisible que sirve de vehiculo para que una imagen llegue a los demás y cada uno se forme su propia opinión.

Creo que con esta muestra Ana Cecilia cumplió con este objetivo.

(*)Ana Cecilia Gonzales Vigil es fotógrafa y editora gráfica. Estudió fotografía documental en el Gwent College en Newport, país de Gales. En los 90 ganó un premio World Press Photo en la categoría Personajes de Actualidad (1992) y ha sido jurado de este concurso internacional en tres oportunidades. Durante 10 años fue editora en el diario El Comercio y participó en la creación y organización de los departamentos de fotografía de los diarios Trome y Perú21. Colaboradora de diversas

ONGs, diarios, revistas y agencias de noticias, ha publicado en diversos medios de prensa peruanos e internacionales. Es corresponsal fotográfica de The New York Times en Perú y trabaja como free-lance. En agosto del 2008 inauguró su primera individual "Cuando Pase el Temblor" trabajo fotográfico sobre la reconstrucción después del terremoto de agosto del 2007 y el grupo editorial Planeta publicó un libro con el mismo nombre. Dicta talleres de fotografía documental y periodística en el Perú y en el extranjero. En octubre 2009 realizó su segunda individual bajo el título "Adolescentes". Actualmete está trabajando como directora académica en el IPAD, Instituto Peruano de Arte y Diseño en Lima.(fuente)


No se olviden de visiar la pagina web de Ana Cecilia, ella me comentaba que está un poco desactualizada, pero prometió actualizarla pronto.
La muestra estará hasta el 11 de junio en la galeria del Centro Cultural Peruano Norteamericano.

Nota: Las fotografias de la noche del conversatorio pernetenecen a AndreaAC

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Curso de fotografia 14ª parte I

Luz y textura

En fotografía, la textura es, lógicamente, una ilusión óptica. La sensación de textura le otorga a la fotografía una capacidad comunicativa extra. A través de ella, el espectador tiene la sensación de reconocer las sensaciones táctiles que experimentaría al tocar una determinada superficie.

En nuestra sociedad existen cada vez más elementos que utilizan texturas falsas. Superficies plastificadas que imitan madera o mármol, papeles pintados que imitan estucados de pared, etc. Plasmar la textura en una fotografía significa otorgarle más realismo y la ilusión óptica de tridimensionalidad.

Para resaltar la textura de una determinada superficie, el elemento más importante es la iluminación. La calidad del objetivo, la exposición correcta y evitar vibraciones en la cámara en el momento de la captura, también son vitales.

En el desierto se pueden producir situaciones de luz poco adecuadas para la práctica fotográfica cuando hay viento de arena. Aprovecha la luz difusa de estas situaciones para mostrar, en planos cortos, la sensualidad de la textura de la arena de una duna.
La dirección de la luz

La dirección de la luz más adecuada para resaltar la textura es la que incide sobre el motivo desde un lado, es decir, la iluminación lateral. La luz lateral potencia la sensación de textura mediante las sombras que la rugosidad del motivo proyecta.

Recuerda que la dirección de la luz se estable en función de la posición de la cámara. Por una dirección lateral se entiende cualquiera que incida desde un ángulo de 45º hasta acercarse al eje de la toma. La posición de la fuente de luz a 45º, con respecto a la posición de la cámara y el motivo, también se denomina luz rasante.

Cuanto más cerca del eje de la toma se encuentre la fuente de luz, más se reduce la sensación de textura en la fotografía. Por el contrario, cuanto más se acerque a la posición rasante, más se acentúa.


En esta secuencia puedes apreciar como la dirección de la luz contribuye a resaltar la textura de este motivo. La riqueza de la textura es directamente proporcional a la dirección de la luz.

Calidad de la luz y textura

Se entiende por calidad las características de la luz que incide sobre el motivo. Generalizando, podrás trabajar con dos calidades básicas de luz: la directa y la difusa.

Luz directa

La luz directa destaca de forma notable la textura, pero proporciona alto contraste. Puedes encontrarte, en determinadas tomas, con sombras sin detalle o con la dificultad de equilibrar las altas luces y las sombras.

Es una iluminación con mucho "carácter" y no resulta fácil aplicarla sobre todos los motivos en los que quieras resaltar la textura. Por sus características, se adapta muy bien a rostros arrugados, ancianos, personajes rudos, etc.

Luz difusa

La luz difusa puedes encontrarla en un día nublado o en el interior de una casa (gracias a la luz que se filtra a través de una cortina, por ejemplo).

Al no tener tanto contraste, esta iluminación te permitirá trabajar con más comodidad y menos problemas técnicos. Muy adecuada para bodegones y retratos de todo tipo, especialmente de niños y bebés, tanto en interiores como en exteriores.


La luz de sol directa provoca sombras duras y aumenta el contraste. La luz difusa suaviza el contraste y reduce la sensación de textura y relieve en la imagen.

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Curso de fotografia 13ª parte

La luz artificial

Por luz artificial se entiende toda aquella fuente producida por el ser humano. En la sociedad actual el ser humano pasa una gran cantidad de horas iluminado por la luz artificial. Muy pocos lugares de trabajo en interiores disponen de luz natural. Las bombillas y, especialmente, los fluorescentes son habituales en el entorno de trabajo de millones de seres humano. La fotografía digital ha resuelto el eterno problema de las dominantes de color, producidas por las fuentes de luz artificial, que se dan en la fotografía química cuando no se utiliza flash. Mediante un ajuste electrónico se pueden corregir las dominantes y obtener imágenes con un equilibrio de color parecido al que proporciona la luz solar.

Equilibrio del color en la luz natural
A simple vista se puede apreciar que la luz tiene una coloración distinta a lo largo del día. Las primeras y últimas horas del día ofrecen una luz más cálida, es decir, produce fotografías con una dominante de color que tiende hacia el anaranjado, especialmente a la puesta del sol. Estas dominantes se deben a la posición del sol con respecto a la tierra, y a la capa atmosférica que deben atravesar sus rayos. El término técnico que describe el color de la luz se denomina temperatura de color. La temperatura de color se mide en grados Kelvin (ºK) y, casi siempre, es la responsable de la alteración del color en las fotografías.


Estas tres fotografías han sido realizadas a primera hora de la mañana, a mediodía y a última hora de la tarde. En ellas se puede apreciar el efecto de la temperatura de color a lo largo del día. Una misma escena, según la hora, puede aparecer con distintas dominantes de color.

El balance de blancos
A diferencia de lo que sucede con la fotografía química, las cámaras digitales incorporan un sistema de detección de la temperatura de color y una corrección automática, manual o de ambos tipos, denominada balance de blancos (white balance). Esta opción permite al usuario realizar fotografías con un equilibrio de color que se aproxima a su visión de la escena. En algunas cámaras se puede escoger entre el modo automático, en el que la cámara realiza el balance según parámetros prefijados para conseguir una corrección del color, y el modo manual, en el que el fotógrafo escoge entre un abanico de fuentes de luz. Las más habituales son: Fine (sol), Incandescent (lámparas domésticas de tungsteno), Fluorescent, Cloudy (nublado) y Flash. Se debe destacar que casi todas las cámaras ofrecen resultados más que aceptables en el modo automático.

Cuando ajustar el balance de blancos

Si la cámara dispone de modo manual de ajuste del balance de blancos, se pueden alterar los resultados a voluntad del usuario. A pesar de los buenos resultados del modo automático, los ajustes manuales permiten mejorar algunas correcciones y, también muy importante, potenciar algunas dominantes con fines creativos.

Fine (sol)

Las tomas realizadas a pleno sol y a mediodía, coinciden con la temperatura de color que equivale a lo que en términos fotográficos se denomina luz de día (unos 5.500 ºK) y, por tanto, el ajuste Fine (o sol) es el adecuado.

Incandescente

Este ajuste es necesario cuando las tomas se realizan en escenas iluminadas con bombillas domésticas. Éstas suelen ofrecer una temperatura de color muy baja (inferior a los 3.200 ºK) y ello comporta una dominante anaranjada. Este ajuste aplica un filtraje electrónico azulado que restablece el equilibrio de color.

Nublado

En los días nublados, en sobras claras, en paisajes de alta montaña y en la nieve, se suelen producir dominantes de color azuladas. Ello es debido a la alta temperatura de color, muy por encima de los 6.000 ºK. En estas situaciones, el ajuste de Cloudy (nublado) corrige las dominantes aplicando un filtro cálido que contrarresta la dominante azulada.

Flash

Cuando se acciona el flash, o se ajusta la posición de flash en el balance de blancos, es un ajuste equivalente a la luz de día, es decir, a la luz del sol . La temperatura de color que ofrece el flash es equivalente a la luz del sol a mediodía, unos 5.500 ºK. Ello permite combinar el flash con la luz de día (flash de relleno, por ejemplo) sin que se produzcan dominantes de color.


Alterar el color a voluntad

La manipulación del balance de blancos puede resultar de gran utilidad no sólo cuando se quiera corregir una determinada dominante, si no también cuando se desee potenciar o alterar el color de la escena. Por ejemplo, si en una toma en exteriores de un paisaje marino se ajusta el balance de blancos para luz incandescente, la dominante será azulada, potenciando así el color del agua y el cielo. También en una toma al atardecer o nocturna se puede potenciar, con el mismo ajuste, la dominante azulada. Ello provocará la sensación de frialdad y de que la escena se encuentra iluminada por la luna.

Por el contrario, si se desea potenciar la dominante cálida, muy adecuada en tomas de paisaje otoñal y retratos, se puede utilizar el ajuste para días nublados o luz de fluorescente. Las fotografías aparecerán cálidas y agradables a la vista.

En estas dos fotografías, tomadas a mediodía, se ha alterado la temperatura de color de la imagen mediante el control de Balance de Blancos de la cámara.
En la imagen más fría (azulada) se ajustó para luz de tungsteno, mientras que en la amarillenta (cálida) se ajusto para día nublado.

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Curso de fotografia 12ª Parte

Distancia focal y tema
La distancia focal utilizada (el tipo de objetivo), tiene una gran importancia en la realización de una fotografía. Las cámaras digitales están dotadas de objetivos de distancia focal variable (zoom), ajustables en un abanico comprendido entre el angular moderado y el teleobjetivo moderado.
Acertar con la distancia focal ideal en cada toma no resulta siempre fácil. En algunas ocasiones, la rapidez con la que tendrás que disparar te impedirá una reflexión pausada y la posibilidad de ensayar diferentes posiciones del zoom. En otras, puede suceder que necesites una focal inferior o superior que la que te ofrece el zoom de la cámara


La distancia focal utilizada (el tipo de objetivo), tiene una gran importancia en la realización de una fotografía. Las cámaras digitales están dotadas de objetivos de distancia focal variable (zoom), ajustables en un abanico comprendido entre el angular moderado y el teleobjetivo moderado.

Acertar con la distancia focal ideal en cada toma no resulta siempre fácil. En algunas ocasiones, la rapidez con la que tendrás que disparar te impedirá una reflexión pausada y la posibilidad de ensayar diferentes posiciones del zoom. En otras, puede suceder que necesites una focal inferior o superior que la que te ofrece el zoom de la cámara. El ángulo de cobertura máximo y mínimo que ofrecen los objetivos zoom incorporados en las cámaras digitales resulta más que suficiente para resolver la mayoría de situaciones. En esta secuencia puedes apreciar la cobertura máxima y mínima del zoom de la Coolpix 990.

Recuerda que las distancias focales en fotografía digital no se corresponden con las de la fotografía química. Ello es debido al diferente tamaño entre el negativo y el CCD. Las focales con las que se trabaja en fotografía digital son más cortas.

Retrato

• En planos generales (figura dentro de un entorno, como en un paisaje o en un interior) puedes utilizar el angular. A cierta distancia no se producen distorsiones apreciables.
• En planos generales, en los que encuadres sólo la figura, puedes utilizar la posición intermedia del zoom (focal normal).
• Para los planos cortos y primeros planos utiliza el zoom en la posición máxima de teleobjetivo.
• En los primeros planos de un rostro, recorta la parte superior de la cabeza. La expresión del modelo tendrá más fuerza.
• El zoom digital te permite multiplicar hasta x4 el alcance del teleobjetivo. Para accionarlo, presiona el botón de Tele durante dos segundos.
• El zoom digital amplia electrónicamente la parte central de la imagen. No "acerca" ópticamente la escena. Con respecto al zoom óptico, la pérdida de calidad es notable.

La solución estética de cortar la parte superior de la cabeza es muy poco utilizada por el fotógrafo aficionado y, en contrapartida, un recurso de gran aceptación en la fotografía profesional. Sin duda, la mirada y la expresión ganan en fuerza y protagonismo.


Paisaje

• Recuerda aplicar los consejos sobre la Regla de los Tercios en la composición.
• Si quieres potenciar la sensación de perspectiva, utiliza el gran angular y sitúa algún elemento cerca de la cámara (preferentemente a uno de los lados del encuadre).
• Si prefieres potenciar la sensación de amontonamiento (grupo de árboles, barcas, etc.), aléjate y utiliza el teleobjetivo óptico en su posición máxima.
• En tomas muy cercanas selecciona la posición "macro" (icono de una flor). El zoom debe estar en una posición intermedia. Cuando la distancia focal es la idónea, la flor cambia de color blanco a amarillo.
• Si realizas tomas en macro, asegura la estabilidad de la cámara. Si puedes, utiliza trípode y ajusta el temporizador de disparo automático. De esta forma evitarás transmitir vibración a la cámara y aumentará la calidad de la imagen.
• Si trabajas con escenas lejanas, ajusta el sistema de enfoque a infinito (símbolo de una montaña). El enfoque se bloquea y no consume tanta batería. Recuerda que esta posición es incompatible con el uso del flash.

1 Los planos cortos de naturaleza o vegetación son muy efectivos en una colección de fotografías de un viaje o excursión. Aprovecha el rocío del amanecer para mostrar, por ejemplo, el frescor natural de una flor.








2 El angular permite abarcar gran parte de la escena de esta montaña y el serpenteante camino. Para otorgar profundidad a la imagen, y potenciar la perspectiva, se han situado las rocas en primer término, ello permite crear la ilusión óptica de tridimensionalidad.







3 El teleobjetivo comprime la perspectiva y provoca que las embarcaciones se vean como un conjunto desordenado y amontonado. Como puedes apreciar, la sensación de aglomeración se ve potenciado con el uso del teleobjetivo.











Reportaje
Exceptuando casos muy concretos, las distancias focales idóneas para el reportaje de tema humano son el normal y el gran angular. Preferentemente el angular moderado (aproximadamente el que equivale a un 35mm en paso universal)
El angular potencia la sensación del espectador de estar "dentro" del tema. Pero, para que esta sensación se produzca con éxito, debes trabajar desde distancias muy cortas. La proximidad aumentará la efectividad de las fotografías.
Para utilizar correctamente las focales cortas en el reportaje, debes tener en cuenta los siguientes consejos:

• Intenta no situar a tus motivos en el centro del encuadre. Las fotografías serán más dinámicas. Utiliza el bloqueador de enfoque y desplázalos a uno de los lados.
• Procura dejar el espacio libre hacia el lado que mira o se dirige el personaje protagonista de la fotografía.
• Situar el motivo a un lado, con el angular, puede producir distorsión en la imagen. Si quieres minimizarla, intenta mantener la cámara lo más nivelada posible. Las inclinaciones de la cámara aumentan la distorsión de la imagen.
• El angular te proporcionará mucha profundidad de campo. Si quieres un enfoque más selectivo, usa el modo manual y selecciona la prioridad a la velocidad (S). Ajusta una velocidad alta. La cámara, por su parte, ajustará un diafragma abierto y reducirás profundidad de campo.

1 Situar el motivo principal a un lado del encuadre facilita la composición asimétrica. En este caso, la bandera que enarbola el personaje impone la dirección de la mirada hacia los músicos del fondo de la escena.










2 Una posición baja de la cámara, el uso del angular y una perspectiva con punto de fuga central, son los recursos estéticos de esta escena cotidiana de un mercado. Observa como la mirada se dirige hacia el centro de la imagen gracias a la convergencia de líneas.







3 En las escenas con fondos confusos, el uso del angular te puede permitir potenciar el motivo protagonista, gracias a la posibilidad de enfocar a cortas distancias y de magnificar su tamaño

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Curso de fotografia 11ª parte

MEDICION DE LA LUZ

Una fotografía debe tener un equilibrio entre la apertura de diafragma y el tiempo de exposición para limitar la luminosidad que alcanza la película en cantidad (apertura) y tiempo (tiempo de exposición). La cámara calcula esto gracias a un fotómetro interno, de forma que podemos ajustar un tiempo de exposición fijo y calcular la apertura óptima o viceversa. Encontramos tres formas que tienen las cámaras de medir la luminosidad.


CÓMO MEDIR LA LUZ

Las cámaras manuales suelen implementar la medición central.
Por tanto se debe hacer la medición de la luz en el sujeto que hemos enfocado antes de componer la escena. Las cámaras automáticas suelen tener varios métodos de medición de luz.
Si el sujeto tiene unas condiciones de luminosidad diferentes al resto de la escena, se recomienda hacer la medición de la luz en un punto en el sujeto. Las cámaras automáticas suelen tener la opción de hacer una medición y dejarla bloqueada mientras se compone la escena.

COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN

Los fotómetros no son muy fiables en casos en los que las mediciones de luz se salen de lo normal, pues ellos ven en gris. Ejemplos muy habituales son las fotografías de objetos negros (que aparecen grises) o de fotografías en la nieve o la playa (que aparecen muy oscuras).

Cuando se fotografíen escenas oscuras (objetos negros) utilizar un número negativo.		Cuando se fotografíen escenas claras (nieve) utilizar un número positivo.
Con el ejemplo de la nieve. Si el día es muy nublado, ajustar la compensación en +1, si es nublado pero claro en +2, y si es soleado en +3. Es cuestión de probar.

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Curso de Fotografia 10ª Parte

LA PROFUNDIDAD DE CAMPO

La Profundidad de Campo es la distancia por delante y por detrás del sujeto enfocado que aparece nítida. A mayor apertura de diafragma (número f menor) la profundidad de campo es menor. La profundidad de campo se acentúa todavía más cuanto mayor es la distancia focal, que se modifica con el zoom.

En la imagen se enfoca la figura del medio, con un número f pequeño las figuras cercanas aparecen desenfocadas, mientras que con un número f mayor vemos más nítidas las figuras cercanas.


CÓMO USARLA

La profundidad de campo debe ser pequeña cuando queremos resaltar un sujeto sobre un fondo que no nos interesa, por ejemplo un retrato o flores.
Debemos utilizar una profundidad de campo grande cuando queremos que no quede ningún objeto desenfocado, por ejemplo un paisaje.





Esta fotografía se hizo con una profundidad de campo alta, es decir, un número f grande. La apertura de diafragma es baja.





Esta fotografía se hizo con una profundidad de campo baja, es decir, un número f pequeño. La apertura de diafragma es alta.








Al fotografiar paisajes con un objeto intermedio usar siempre profundidad de campo alta.






Para resaltar al sujeto en un retrato o primer plano usar profundidad de campo baja. Para acentuarlo aún más utilizar distancia focal alta, usando el zoom (p. ej. 150 mm).

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Curso de fotografia 9na parte

ENFOQUE

El enfoque permite hacer nítido un sujeto. En las cámaras compactas el enfoque es fijo, no hay que enfocar. En las SLR manuales se enfoca mediante una rueda que hay en el objetivo. En las SLR con autofocus el enfoque se hace apuntando con el centro al sujeto y pulsando el botón de disparo suavemente. Apretando más se realiza el disparo. También permiten ser efocadas manualmente.

DISTANCIA MÍNIMA

Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el objetivo y el sujeto, por debajo de la cual no es capaz de enfocar.


Los zooms de largo alcance (p.ej. 70-300) tienen una distancia mínima mayor, aproximadamente 1,5 metros, que los objetivos de menor alcance (p.ej. 28-80), aproximadamente 40 cm.

¿CÓMO ENFOCAR?

Para evitar sorpresas, se recomienda que antes de hacer una fotografía se tenga claro cuál es el sujeto que se quiere enfocado, se enfoque éste (apuntando directamente sobre él) y posteriormente se haga el encuadre de la escena. Realmente, cuando enfocamos un sujeto lo que hacemos es enfocar una distancia. Si en la imagen se hubiera enfocado al centro los sujetos habrían salido desenfocados. Primero se enfoca a uno de ellos (pues están a la misma distancia), después se compone la escena (encuadrando) y finalmente se dispara.


Con una cámara manual se enfoca el sujeto, luego se compone la escena y se dispara normalmente.





Con una cámara autofocus se apunta al sujeto, se presiona a la mitad el disparador para enfocar, se compone la escena manteniendo el botón pulsado y finalmente se presiona completamente para disparar.

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Curso de fotografia 8va parte

Representar la perspectiva

Una de las formas más evidentes de representar la tridimensionalidad, pero no la única, consiste en la disposición de los elementos en el espacio. En una fotografía y, por tanto, en una superficie bidimensional, se puede representar la perspectiva mediante tres grandes opciones:

• La convergencia de líneas (7ma parte)
• La escala (7ma parte)
• El tono y el color

Veamos los aspectos claves de cada uno de los apartados:

El tono y el color

Los tonos y los colores ayudan a representar la perspectiva. Los tonos claros producen la sensación óptica de que se sitúan detrás de los tonos oscuros. Así, en una toma de paisaje con bruma, parece que las montañas (tonos oscuros) se adelantan al cielo (tonos claros). Si existen varias montañas, éstas se ordenan según la intensidad del tono.


La perspectiva atmosférica permite sugerir las diferentes distancias a la que se encuentran los diversos planos de la escena. Los tonos oscuros se representan delante de los más claros. Es el clásico efecto de la bruma en el paisaje.

El primer término

En las fotografías de paisaje que quieras potenciar de forma evidente la perspectiva y la profundidad de la escena, puedes utilizar el clásico, y muy efectivo, recurso de colocar algún elemento en el primer término. Utiliza elementos del entorno que te puedan ayudar a establecer con claridad las diferencias entre el primer término y el fondo.

Coloca en el primer término algún arbusto, seto, rama de un árbol, roca, etc. (preferentemente a un lado del encuadre), para crear el efecto óptico de profundidad. También puedes decidir si el primer término estará o no enfocado. Un primer término desenfocado parece aumentar la sensación de distancia con respecto del fondo.

Si quieres obtener nitidez (profundidad de campo) desde el primer término hasta el infinito, deberás enfocar en una zona cercana de la cámara (primer tercio de la escena, por ejemplo) y ajustar el programa de paisaje o dar la prioridad al diafragma (A) y utilizar un número "f" alto. Por el contrario, si deseas mantener el primer término borroso, enfoca hacia el infinito o escoge la prioridad a la obturación (S) y utiliza una velocidad alta.



Aquí puedes observar las ventajas de una manipulación intencionada de los controles de la cámara. El primer término y el fondo enfocados se deben a un diafragma muy cerrado (disminuyendo la velocidad de obturación) y a un enfoque cercano a cámara. Con el primer término desenfocado (diafragma más abierto y velocidad de obturación más alta) la sensación visual es distinta, parece que las ramas se encuentran más cerca de cámara, y potencia la sensación de distancia entre los dos planos de la fotografía.

El punto de vista

Como ya has comprobado, el punto de vista modifica de forma notable la representación gráfica de la escena. Esquematizando las diferentes opciones, se dice que existen tres posiciones básicas: normal, elevada y baja.

Por posición normal se entiende la que la cámara se encuentra, aproximadamente, a la altura de los ojos. En este caso, el horizonte de un paisaje también se mantiene a la altura de los ojos del fotógrafo.

En la posición elevada (picado), el horizonte también se eleva hacia la parte superior del formato. Esta posición resulta recomendable en muchas tomas de paisaje, ya que permite una visión más amplia de la escena.

Con una posición baja (contrapicado), el horizonte tiende a descender hacia la parte inferior del encuadre. El motivo parece ganar en importancia y el primer término "crece". Si sitúas la cámara en el suelo, el horizonte puede desaparecer por la parte inferior y el primer término suele ser una vista insólita del paisaje.

La primera fotografía corresponde a la altura de los ojos del fotógrafo, pero ello no significa que la consideración de "normal" debas entenderla como la posición habitual de la cámara. Puedes comprobar los cambios notables que se producen en la imagen con tan sólo subir o bajar el punto de vista. Ensaya hasta encontrar el mejor punto de vista posible en cada toma.

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Curso de fotografia 7ma parte

Fotografía y perspectiva

La perspectiva es la forma de representar las tres dimensiones de la realidad en una superficie bidimensional o plana. Por tanto, la tridimensionalidad representada en dos dimensiones no es más que una ilusión óptica. La perspectiva es fundamental para transmitir la sensación de profundidad y distancia en una fotografía. El control de la representación de la perspectiva te será esencial, especialmente, en las tomas de paisaje.


Un punto de vista muy bajo, la disminución del tamaño del grosor de las líneas y la convergencia de éstas en un punto central, son los elementos básicos para la representación óptica de las tres dimensiones en esta fotografía bidimensional. El triángulo invertido que forman las copas de los árboles, recortadas sobre el cielo, también contribuye a concentrar la visión en el punto de fuga.

Representar la perspectiva

Una de las formas más evidentes de representar la tridimensionalidad, pero no la única, consiste en la disposición de los elementos en el espacio. En una fotografía y, por tanto, en una superficie bidimensional, se puede representar la perspectiva mediante tres grandes opciones:

• La convergencia de líneas
• La escala
• El tono y el color

Veamos los aspectos claves de cada uno de los apartados:

La convergencia de líneas

Toda imagen se puede esquematizar en un dibujo de líneas (boceto). En muchas fotografías existen líneas que convergen en un punto; el llamado punto de fuga. El ejemplo más evidente de punto de fuga es el de los rieles del ferrocarril, en el que las vías parecen converger en un punto lejano. El punto de fuga puede parecer más o menos lejano en función del objetivo utilizado y del punto de vista.

Las líneas convergen en un punto de fuga, y éste puede estar situado dentro o fuera del encuadre. Un punto de fuga situado dentro del formato contribuye a que la mirada del espectador no "salga" de la fotografía, mientras que si éste se encuentra fuera, la mirada va más allá de la propia fotografía, sale fuera del marco de la fotografía.

Las líneas creadas por el estrecho paso, entre los árboles y la vegetación, dirigen la atención visual hacia el punto de fuga central. Este punto de fuga puede ser también, a pesar de la distancia, una excelente ubicación para situar un elemento que quieras otorgarle un protagonismo especial.

La escala
La escala es el tamaño relativo que tienen los motivos en una representación gráfica. La disminución del tamaño es fundamental para representar la distancia a que éstos se encuentran de la cámara. Por ejemplo, un camino flanqueado por una hilera de árboles a cada lado, puede ser un excelente escenario para potenciar la perspectiva en una fotografía. El camino facilita una perspectiva con punto de fuga central. La disminución del tamaño de los árboles (escala), a medida que éstos se encuentran cada vez más lejos de la cámara, potencian la ilusión óptica de tridimensionalidad.

La disminución del tamaño del motivo, a medida que éste se encuentra cada vez más lejos de cámara, es otra de las fórmulas clásicas para mostrar y potenciar la perspectiva. Al fotografiar elementos que el espectador identifica claramente como del mismo tamaño, la variación en la escala (tamaño) permite expresar la ilusión óptica de tridimensionalidad.

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Curso de fotografia 6ta parte

ZOOM, PERSPECTIVA Y DISTANCIA

El zoom es un tipo de objetivo que permite acercar o alejar el sujeto que se quiere fotografiar sin tener que acercar o alejar la cámara. Sin embargo esta no es su única aplicación, pues también modifica la perspectiva de la escena.


DISTANCIA

Como ya se ha dicho el zoom permite acercar o alejar la visión a un objeto, abriendo o cerrando el campo de visión. Al acercarse se cierra el campo de visión, abriéndose al alejarse. Se modifica la distancia modificando la distancia focal, de la que se habló en el tema anterior. La visión humana equivale aproximadamente a 50mm.


PERSPECTIVA

Al modificar la distancia focal se modifica la perspectiva. De este modo se puede modificar una proporción del sujeto respecto al fondo al modificar la distancia respecto a sujeto y utilizar una distancia focal distinta. El siguiente gráfico ilustra este concepto, así como las imágenes posteriores.
RECOMENDACIONES

Al aumentar la distancia focal, el objetivo es más sensible a cualquier movimiento. Para evitar fotos movidas se recomienda utilizar un trípode o un tiempo de exposición bajo. Para facilitar esto último se recomienda el uso de numeros ISO mas altos.

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